Il diluvio universale a San Maurizio la cappella Sistina di Milano

di Maria Rosaria Sodano

La chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore, in Corso Magenta a Milano, è uno scrigno della pittura milanese del Cinquecento. È stata edificata al centro di uno dei più antichi e prestigiosi monasteri della citta', affidato alla congregazione benedettina femminile. Le due aule della chiesa – quella della clausura e quella più piccola dei fedeli – sono fasciate da cappelle affrescate da pittori lombardi e in particolare da Bernardino Luini con la sua famiglia.  

Presi dalle splendide  pitture dell' aula pubblica, spesso non si ha  la forza di arrivare al fondo delle aule delle monache  dove sono presenti con ogni probabilità gli affreschi più originali  della Chiesa,  da considerarsi vera e propria icona del meraviglioso ciclo pittorico. La storia del patriarca biblico e del diluvio universale è qui raccontata in tre godibili e coloratissime immagini dipinte da Aurelio Luini nel 1556. Aurelio, meno famoso del padre ma ottimo pittore manierista nonché cultore delle caricature di Leonardo, raffigura qui un momento altamente  tragico della storia biblica così  rifacendosi ai testi  tratti dal libro della Genesi: la costruzione dell' arca , il diluvio e l' approdo sul monte Ararat oltre all' ebbrezza di Noè intervenuta a seguito della piantagione della vigna allorché il patriarca, persa ogni cognizione di sé, si era denudato davanti ai tre figli Cam, Sem e Jafet capostipiti del genere umano.

Forse non molti sanno che la Bibbia non fu l' unica a raccontare del diluvio.

 Nel 1872 lo studioso inglese George  Smith,  curatore del British museum, nel decifrare la scrittura cuneiforme dei popoli della  Mesopotamia ed in particolare il poema che descriveva l' Epopea del re Gilgamesh  trascritto su alcune tavolette esposte al museo, scopri' la leggenda di un novello Noe' babilonese, Utnapishtim, rimasto unico superstite insieme alla sua famiglia e a numerosa specie animale di una gigantesca alluvione databile intorno al 7.500 a.C. La storia religiosa  si allaccia a quella umana e diventa documento storico.

Amedeo Bocchi poliedrico pittore italiano

di Maria Rosaria Sodano 
Ho scoperto recentemente  con ammirato stupore l' opera di un artista dalla lunga vita Amedeo Bocchi (1883- 1976) . Dedito alla scultura e alla pittura fin da giovanissimo,   Bocchi ha attraversato con grande sapienza tutta l' arte del primo novecento prediligendo le raffinate ambientazione dell' art nouveau  e pervenendo alle esperienze multiformi  dei  Nabis o del' espressionismo tedesco, senza mai perdere la classicita' della pittura italiana. Il dipinto  in oggetto raffigura la  bellissima seconda moglie del pittore , Niccolina Toppi scomparsa giovanissima e sua modella prediletta.  La calda luce dell'estate accende i colori del giardino che fa da sfondo al  dolce ritratto,  ambientato  nel verde di Villa Strohl-Fern, residenza dell'artista dal 1905. Il volto, assorto sotto l'ampia falda del cappello, è il brano pittorico più accuratamente dettagliato e "messo a fuoco", nel contesto di una stesura sintetica. Qui c' e' tutta l' italianità del pittore e il risultato dei suoi annosi e profondi studi sulla figura umana,  stemperata di efficacia espressiva  al confronto  con l' ambiente circostante dotato di una forza emotiva sorprendente grazie alle forti cromie.  

Il dipinto, esposto per la prima volta alla XII Biennale di Venezia del 1920 e acquisito nel 1953, testimonia la ricerca indipendente di Bocchi che, dopo una fase di realismo sociale (1905-07) e dopo essersi dedicato a grandi imprese decorative di gusto modernista (ricostruzione della Sala d'Oro del Castello di Torrechiara, 1910-11; Sala del Consiglio della Cassa di Risparmio di Parma, 1915-1916), si sintonizza più decisamente con le ricerche d'oltralpe, pur guardando, nell'ambiente romano, a De Carolis e Sartorio, quindi al gruppo della Secessione e ai XXV della Campagna Romana.

 

i Gradoni di Chiaia nel primo novecento

di Maria Rosaria Sodano 

ATTILIO Pratelli nato a Lugo da Alessandro Pratelli e Giuseppa Verlicchi, nel 1876 cambiò il cognome in Pratella e si  iscrisse all'Accademia delle Belle Arti di Bologna. Ottenuta una borsa di studio, si trasferì a Napoli dove studiò al fianco di Puccinelli, Palizzi e Morelli. Qui esercitò la sua attività artistica fino alla morte. Anch'egli, come Casciaro e numerosi altri artisti attivi nella città campana, adottò anche la tecnica del pastello, prediligendo però quella ad olio. Riprese le tematiche della cosiddetta scuola di Posillipo (una scuola di pittori attivi a Napoli e dediti - come i loro colleghi francesi  della  scuola di Barbison - in gran parte alla raffigurazione del paesaggio). Pratella presenta tuttavia un  tratto di maggiore modernità e freschezza superando, rispetto ad altri pittori coevi, l'aspetto puramente pittoresco e realizzando opere di grande suggestione poetica. Oltre le apprezzate marine, ritrasse in formati di media-piccola misura, e spesso nelle sue ricercate tavolette, gli angoli di una Napoli in via di estinzione, i vicoli, i bassi, le viuzze, i mercati .

I Gradoni di Chiaia del 1910 ne e' un esempio tipico. Le scale - per chi non conosce Napoli - si aprono sull' elegantissima via Chiaia e costituiscono un famosissimo percorso pedonale, costruito nel XVI secolo,  che porta da via Chiaia ai Quartieri Spagnoli e infine al corso Vittorio Emanuele.Il primo tratto del percorso, partendo da via Chiaia, origina da una cupa in cui un tempo defluivano le acque da Pizzofalcone, tra Monte di Dio e Santa Lucia. Si tratta di una strada molto caratteristica, capace di offrire la fotografia più pittoresca della vita quotidiana negli affollati e caotici Quartieri Spagnoli. A renderla così suggestiva è soprattutto il contrasto che emerge tra gli edifici popolari dei Quartieri e i palazzi signorili della zona di Chiaia.

Il pittore nel dipinto in oggetto rende bene la vita quotidiana che si svolge sulle scale e non manca di offrire al lettore uno splendido e scenografico scorcio dell' effetto ascensionale  della scala.

Chatou luogo di incanto

di Maria Rosaria Sodano

Sull' isola di Chatou e' uno dei dipinti del grande impressionista Renoir datato 1879.

L'opera  precede di due anni il grande capolavoro della colazione dei cannottieri ambientato nello stesso luogo. Chatou e' una deliziosa isola sulla Senna molto frequentata da alcuni pittori della seconda metà del XIX secolo, come Monet, Renoir e Degas. I pittori vi si recavano spesso data la vicinanza con Parigi per osservare e riprendere  i giochi d' acqua del fiume o anche solo per passare qualche ora in allegra compagnia.

Renoir e Monet erano infatti molto legati e dipingevano insieme ponendo i cavalletti l' uno a fianco all' altro in rigoroso stile en plain air . Non cosi avveniva per Degas che, pur essendo loro amico, privilegiava gli ambienti  chiusi   (famosissime le sue ballerine) dipingendo nel suo studio.

Il dipinto in esame, meno famoso di tutti quelli ambientanti a Chatou (celeberrimo, oltre alla colazione dei cannottieri gia citata  e' il ritratto di Alfhonsine in barca)  è un olio su tela  attualmente custodito  nel Museo Langmatt, Fondazione Sidney e Jenny Brown; e' di piccole dimensioni come gran parte dei quadri di Renoir e  misura 55,5 cm × 46 cm.

L'opera ritrae una donna in abito lungo e cappello sulle rive della Senna mentre si trova sull'isola, con un uomo chino in primo piano. L'uomo indossa camicia e pantaloni bianchi. Sullo sfondo si distinguono il fiume e gli alberi sulla riva opposta.
Il dipinto, con le sue pennellate sciolte e i colori vivaci, è un esempio dello stile impressionista dell' artista e precorre ai capolavori degli anni successivi, tutti centrati sullo studio della figura umana nel paesaggio.

Berthe, l'amore per la famiglia e per le donne

di Maria Rosaria Sodano

La mostra a Genova di Berthe Morisot  e' consigliata caldamente.

Berthe Morisot, moglie di Eugene Manet (noto giornalista dell' epoca) e cognata del grande Manet e' stata un'importatissima esponente della pittura impressionista. Pronipote del grande Fragonard, Berthe dimostro',  fin da giovanissima, la sua propensione per la pittura e fu in questo assecondata dalla famiglia che, non potendo iscriverla all' Accademia des beaux arts (dove era ancora vietato l' accesso alle donne)  la fece studiare pittura privatamente  allestendo in casa un piccolo atelier affacciato su di un grande giardino. Berthe, grazie all' insegnamento del grande naturalista Corot, affino' la propria pittura e mostro' fin da subito, una grande insofferenza per  gli ambienti  accademici e per il Salon. Conobbe, giovanissima, Edouard Manet, il padre dell'impressionismo, e ne divenne la modella preferita. Berthe era una donna colta, bellissima e affascinante. Amava frequentare i salotti culturali della Parigi bene e grazie alla sua frequentazione con  Manet conobbe e solidarizzo' con il nascente  movimento impressionista partecipando a tutte le loro   mostre e divenendone una delle  fondatrici oltre  che sua  sostenitrice. Non aveva infatti problemi economici e non aveva pertanto bisogno di trarre i proventi per vivere dalla pittura come Renoir o Monet. Sposo' Eugene  Manet  nel 1878 ed ebbe da lui una figlia bellissima, Julie,   che fu anch' ella artista.

La pittura di Berthe predilige squarci di vita quotidiana e di tranquilla vita borghese. Tra i suoi ritratti piu celebri  si ricorda quello dell' amatissima sorella ritratta vicino alla culla della figlia. 

Nella pittura di Berthe si coglie l' amore per la figura femminile  e uno studio accurato dell' ambiente naturalistico.

 La mostra di Genova  contiene 86 opere, tra dipinti, acqueforti, acquerelli, pastelli, cui si aggiungono documenti fotografici e d’archivio, molti dei quali provenienti dai prestiti inediti degli eredi Morisot, consentono di ripercorrere la vita dell’artista, che ha saputo conciliare vita familiare e carriera artistica, e intrattenere fecondi rapporti con i più grandi artisti dell’epoca come Renoir, Monet, Manet, Degas ma anche con figure di intellettuali quali Mallarmé e Zola. La mostra riserva anche  novità scientifiche correlate ai soggiorni sulla Riviera tra  il 1881-1882 e il  1888 -1889 e all’influenza della luce mediterranea sulla sua opera, rientrando nelle celebrazioni ufficiali del 150º anniversario  della nascita del movimento.  
La curatrice della mostra è Marianne Mathieu, tra le più rinomate esperte dell’opera di Berthe Morisot e studiosa della storia dell’Impressionismo, protagonista di molte scoperte scientifiche in questo ambito.