La leggenda della colonna del Verziere di Milano

di Maria Rosaria Sodano 

Fra i tanti nomi  che sono stati attribuiti a questa colonna votiva, forse il più  conosciuto  è proprio quello  Colonna del Verziere (o del Verzée). Tale nome infatti, identifica il posto ove è stata collocata, a memoria dell’antico mercato ortofrutticolo che, per secoli, fino ai primi decenni del Novecento, si teneva regolarmente in quel luogo. La colonna e' detta anche infinita perché fu ultimata  nel 1611 dopo un travagliato  trentennio di autorizzazioni concesse e successivamente negate.  Era  costituita da un basamento rettangolare circondato da un' inferriata (oggi non piu visibile), da un fusto e da un capitello alla base del quale era stata collocata la statua in arenaria  del  Cristo Redentore  poi sostituita da un calco in bronzo del 1927. Il contesto storico dell' erezione della colonna  risale all' epoca di Carlo Borromeo, alla  Milano spagnola e  alle  due terribili pesti che afflissero la città nel 1576 e  nel 1630. Durante la prima,  Carlo Bortomeo vieto' le celebrazioni pubbliche nelle chiese e fece realizzare  in quasi tutti i crocevia delle città dei piccoli altari dove la gente poteva fermarsi per pregare. Uno dei questi era situato al posto della colonna che, oggi, dopo la sua  decennale rimozione dovuta ai lavori della Metropolitana 4,  si innalza a mo’ di obelisco, come monumento isolato, presente dal Rinascimento, fino a tutto il Novecento. Accanto ad essa i frettolosi passanti che attraversano la piazza, oggi  finalmente  pedonale e dotata di aiole verdi e riposanti panchine in pietra, possono notare un' altra  antica colonna preesistente a quella  attuale. Si suppone trattarsi  dei resti della "ruvida colonna"(così chiamata dallo storico settecentesco Lattuada)  situata al posto di quella attuale proprio nel periodo della peste.   

La colonna del Verziere è legata ad una storia che sta tra il miracolo e la leggenda popolare.

Quando il monumento venne inaugurato una seconda volta  nel 1673, il Cristo che stava sulla sua sommità, era abbracciato alla croce di ferro e teneva la testa rivolta a sinistra, verso il Verziere e più precisamente verso il vicolo di San Bernardino dei morti.  Si narra che dopo tre mesi Il Cristo guardava dalla parte opposta, verso via Durini.Il popolo ne dette spiegazione  elaborando  la leggenda di Barbarinetta, una bellissima ragazza del rione del Verziere  abitante in una casa di via Durini ed innamorata  perdutamente di un cavaliere messo a morte proprio nella piazza. Secondo la leggenda la ragazza si  uccise    buttandosi dal balcone della sua casa proprio nel momento in cui il suo amato veniva giustiziato. Fu proprio in quel momento  che il Cristo  Redentore,  impietosito dalla incredibile storia d’amore fra quella giovane e il suo cavaliere, aveva girato la testa verso di lei ed aveva cambiato direzione.

 

il canone classico di Policleto

di Maria Rosaria Sodano

Mi e' capitato in questi giorni di provare a rivitalizzare le mie reminiscenze  liceali sull' arte greca e di rivedere quello che gli antichi sostenevano sull' arte e sulla bellezza classica. Ho così rivisto concetti che erano rimasti sepolti nella mia memoria e che mi sono sembrati alla loro evidenza così importanti anche per la nostra sensibilità di oggi.

I Greci sostenevano che l' arte dovesse rappresentare la bellezza ideale, una sorta di assoluto che accomunasse l' uomo agli dei e che prescindesse totalmente dagli affanni di tutti i giorni.

La statuaria classica- copiata a piene mani dai Romani - era perciò improntata al canone estetico di Policleto, seguito e studiato da tutti i più grandi scultori dell'epoca classica (500-400 A.C.) come Fidia o Mirone. Il doroforo, portatore di lance, qui ritratto e' un chiaro esempio dell'applicazione canone. La sua testa e' pari ad un ottavo di tutto il corpo  (gli altri ottavi dovevano essere divisi 4 per il busto e 3 per le gambe). Inoltre il criterio della ponderazione imponeva che  fosse rispettato il chiasmo cioe' la perfetta simmetria tra le parti del corpo a riposo e quelle in movimento.

L' uomo di Policleto raggiunge la perfezione anche nei tratti del  volto che devono essere puri e bellissimi, privi di ogni affanno o frustrazione.

Finzione? Io non credo..piuttosto elevazione  verso l' assoluto  e amore del bello,  liberi da pensieri e da  problemi quotidiani. Questo, credo sia l' essenza dell' arte greca.

la citta' romana ideale

di Maria Rosaria Sodano 

I Romani introdussero la vita urbana in territori che non l’avevano mai conosciuta, volendo che le città, ovunque fossero, condividessero alcuni tratti comuni. Sotto l’imperatore Augusto, la fondazione di nuove città rifletteva chiaramente la volontà di promuovere l’immagine di Roma attraverso la bellezza architettonica e di celebrare la sua grandezza. Le nuove città dovevano essere strutturate secondo due linee ortogonali, il cardo e il decumano, che si incrociavano in un punto in cui sorgeva  il Foro, vero centro propulsore della vita cittadina,  corredato di un edificio coperto, la basilica, in cui si svolgeva il mercato cittadino e di un tempio dedicato alla religiosita'.Le due linee ortogonali corrispondevano nel sottosuolo alle cloache e formavano un rettangolo, corrispondente all' antico castrum in cui correvano le mura. 

La citta'  romana ideale aveva una struttura molto simile a quella greca ma se ne differenziava per la concentrazione in un unico contesto sia dell' area religiosa che  di quella civica laddove per i Greci la vita religiosa si svolgeva  in un luogo separato, l' acropoli.

Questa struttura  era visibile soltanto nelle citta' di nuova fondazione. Roma non aveva infatti  queste caratteristiche perché era sorta per  sinecismo, con  l' aggiunta di un colle all' altra, di un edificio all' altro tanto che  Il suo foro, nel periodo di maggiore splendore,  era multiplo e aveva, ciascuno, il nome dell' imperatore che lo aveva costruito.

Quando pero' i Romani  conquistavano città  gia' esistenti non le distruggevano ma aggiungevano al preesistente i loro edifici come il tempio, le terme, il teatro o l' anfiteatro, particolarita' tipica dell' indole romana che si rendeva permeabile alle civiltà conquistate lasciando ampia liberta' alle popolazioni vinte. 

Una città  costruita ex novo in Italia  e' Aquileia, fondata nel 181 a.C. come colonia romana grazie alla sua posizione strategica tra il porto e l'entroterra. La storia di Aquileia si consolidò grazie a Giulio Cesare che potenziò la storica strada romana che portava al Norico. L'imperatore Diocleziano trasformò Aquileia in una delle più grandi città dell’impero romano, dotata di una flotta e di una zecca, cosa che fu ripetuta con la vicina Mediolanum (Milano),   citta' preesistente di origine celtica, designata addirittura come capitale dell' Impero d' Occidente dall' imperatore Massimiano, il secondo dei tetrarchi.

Vera e propria capitale del mosaico romano d’Occidente, Aquileia divenne la sede del primo complesso pubblico di culto cristiano. Da qui, grazie al vescovo Teodoro, partì l’evangelizzazione dell’Istria, dei Balcani e dell’Ungheria. Dopo esser diventata una delle maggiori sedi vescovili della cristianità, la città fu a lungo sede di un potente Principato patriarcale che durò fino al 1420 con la Repubblica di Venezia e il passaggio sotto il dominio della Serenissima.

il ponte Sublicio la prima opera pubblica romana

di Maria Rosaria Sodano 

La storia dell' arte romana inizia  con la prima costruzione pubblica della citta', il ponte Sublicio,  edificato in legno  dagli abitanti dei sette colli di Roma per attraversare il Tevere. La citta' di  Roma era infatti nata  nel 753 A.C dall' unione delle popolazioni italiche  dei sette  colli  che fin dall' inizio si posero  il problema di munirsi  di vie di comunicazione  e di attraversare il  Tevere. Il fiume,  oltre a non essere navigabile, era anche insalubre e  paludoso e non esondava in maniera ciclica come il Nilo  ragione per cui le sue acque non potevano essere utilizzate per l' irrigazione dei campi. Non potendo utilizzare il fiume come veicolo di comunicazione, cosi come avevano fatto le grandi civilta' mesopotamiche, i Romani volsero la loro arte a fini di utilita' e  appresero le tecniche di costruzione dei ponti e delle strade (e piu' avanti degli acquedotti) dai vicini Etruschi  che erano l' unica popolazione italica  permeabile alle grandi civiltà dei  Fenici e dei Greci  presenti sul territorio italico;  i mercanti etruschi intrattenevano, infatti, da sempre , pacifici rapporti commerciali con tutti gli abitanti della penisola e avevano raggiunto, per questi motivi, un elevato grado di civilizzazione.

Il  più antico ponte di Roma, realizzato in legno al tempo di Tullio Ostillio (.. - 641 a.c.) e terminato da Anco Marcio, (675 a.c. - 616 a.c.) e' appunto il Ponte Sublicio. Il ponte, ancora presente  con questo nome,  collega, al giorno d' oggi,  l' Aventino e il Testaccio  con Trastevere ed e' quindi spostato piu a valle rispetto a quello antico che sorgeva nei pressi  dell' isola Tiberina in corrispondenza dell' antico guado.  Sopravvisse fino a sette secoli  dopo Cristo  ed e' circondato da una leggenda che contiene, come quella dei sette Re di Roma, degli elementi di verita'. Si narra infatti che venne eretto da popolazioni abitanti la sponda destra del Tevere molti anni prima della nascita di Roma e che venne restaurato una prima volta da Ercole in persona ed una seconda nel 614 a.c. sotto il regno di Anco Marzio. 

Al di la' della leggenda,  e' certo che  i Romani lo utilizzavano per celebrare la cerimonia della lustrazione primaverile.  Inoltre, la tradizione religiosa, coincidente con la necessità di poterlo smontare facilmente in caso di invasione, prescriveva che non fosse utilizzato altro materiale che il legno, quindi senza ferro e senza bronzo, per cui anche i chiodi erano esclusi e soppiantati da cunei di legno. 

Amore e morte in Munch

di Maria Rosaria Sodano

Sebbene priva del famoso Urlo la mostra di Edward Munch non delude le aspettative del visitatore.

Ordinata per tematiche importanti,  raggiunge il culmine dell' attrattiva nell' esposizione  dei due dipinti sopra indicati, il primo intitolato "Madonna" e il secondo " Disperazione".

Nella "Madonna"   Munch  ritrae la donna/maternita' secondo un  chiaro  intento simbolista, il cui canone si esprimeva nel   rappresentare  la donna   fatale,  dispensatrice di  vita e di morte,  trasgressiva  e ammaliatrice. il dipinto, ispirato anche alla tragedia personale dell' artista che rimase orfano di madre alla tenera eta' di cinque anni,  ritrae la violinista inglese Eva Mudocci (1883–1953), che fu amante di Munch    ed appare anche in altre due opere : Concerto per violino e Salome. Munch disse che lei aveva “gli occhi come di un migliaio d’anni” e le mandò una lettera in cui scrisse: “Ecco la pietra che è caduta dal mio cuore.” il fondale scuro e profondamente desolato preannuncia la tragedia della morte cui allude  il  feto quasi scheletrico posto sul fondo della cornice. Il cielo percorso da grandi ondate nere  e' risolto con le medesime modalita'  tecniche di quello del quadro successivo in cui il cielo percorso da irrealistiche coloriture di  rosso e arancione e' identico a quello dell' Urlo e fa da sapiente  scenario alla rappresentazione della solitudine e disperazione.

Il luogo e' quello in cui Munch ebbe  effettivamente  una terribile allucinazione  tanto da costargli l' internamento volontario in una clinica psichiatrica: "Camminavo lungo la strada con due amici, quando il sole tramontò. Il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue. Mi fermai. Mi appoggiai, stanco morto a un recinto. Sul fiordo nero azzurro e sulla città, c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura e sentivo che un grande urlo, infinito, pervadeva la Natura». 

La luce impressionistica di Marcel Clement

di Maria Rosaria Sodano 

Amédée-Julien Marcel-Clément (1873-1950)  e' stato un pittore  parigino di scuola impressionista. Studiò alla Scuola di Belle Arti di Parigi  ed  espose regolarmente sia al Salon di Parigi che  al Salon des indipendents. Le sue opere ritraggono  scene marine e catturano la luce e l' atmosfera in modo realistico. Poche  sono, tra i suoi dipinti, le vedute di  Parigi sua citta natale.

Coevo di Sorolla - il grande pittore  spagnolo - Marcel persegue un impressionismo di maniera rifacendosi ai canoni di quella corrente ormai divenuta per certi versi arte ufficiale. 

Questa rara visione cittadina di Parigi  (1905) e' infatti dominata dal riflesso della luce su di un parterre bagnato dalla pioggia e consente al pittore di esprimere tutto il suo virtuosismo pittorico.

  Sono bastati solo quaranta anni  per superare la poetica dissacrante  di  Renoir e di Monet  ed entrare a pieno titolo nella pittura ufficiale francese. In questi anni l' impressionismo ha già perso la sua carica rivoluzionaria e generato le avanguardie.

A Villa Farnesina in mostra nuovi ed inediti affreschi

di Maria Rosaria Sodano 
“Per te che vieni qui, quello che ti sembra brutto per me è bellissimo: se ti piace, resta, se non ti piace vai pure via; comunque grazie"

Questa frase, incisa   all' ingresso della  villa Farnesina  di Roma rende molto bene il significato che essa poteva rappresentare per il suo primo proprietario , il ricco banchiere  Agostino Chigi che la fece costruire da Sebastiano Peruzzi e affrescare  dall' amico Raffaello ai primi del 500.

Agostino  aveva accolto nella sua nuova dimora le più insigni personalità del suo tempo, tra cui poeti, principi, cardinali e lo stesso pontefice.  I cronisti dell'epoca ricordano per esempio che nel 1518, in occasione del battesimo del primogenito Lorenzo Leone, le suppellettili d'oro e d'argento usate per il banchetto vennero gettate nel Tevere in segno di munificenza, anche se pare che l'accorto banchiere avesse fatto stendere segretamente nel fiume delle reti recuperando così il prezioso vasellame.
Dopo l'acquisizione da parte del cardinale Alessandro Farnese il giovane, e la morte di suo nipote Odoardo, a cui era passata in eredità, la Villa fu abbandonata e venne ceduta occasionalmente a ospiti eccellenti come il cardinale Richelieu, il cardinale Federico di Assia-Darmstadt, la regina Cristina di Svezia e diversi ambasciatori di Luigi XIV. Nel 1735 l’edificio passò con l’eredità di Elisabetta Farnese a Carlo IV, re delle Due Sicilie, e divenne residenza di vari diplomatici napoletani finché Francesco II di Napoli, ritiratosi a Roma dopo l'abdicazione, concesse la Farnesina in enfiteusi per 99 anni all'ambasciatore di Spagna a Napoli, Salvador Bermudez de Castro, duca di Ripalta. Infine la Villa fu acquistata nel 1927 dallo Stato italiano che la destinò a sede dell'Accademia d'Italia e nel 1944 la diede in proprietà all'Accademia Nazionale dei Lincei,  situata nell'antistante Palazzo Corsini.

La villa riserva proprio in questi giorni al visitatore grandi sorprese.

Recenti lavori di restauro hanno fatto riapparire affreschi seicenteschi  che sara'  possibile ammirare insieme a due opere di Anni bale Carracci , il grande pittore emiliano che termino' la sua avventura pittorica a Roma un secolo più tardi con il preciso intento di diffondere lo stile pittorico italiano.  Si tratta delle tre virtù teologali e Fede, Speranza e Carità, di proprietà del Museo e Real Bosco di Capodimonte e conservati a Montecitorio. L' inaugurazione  della mostra il prossimo 5 novembre.

Il diluvio universale a San Maurizio la cappella Sistina di Milano

di Maria Rosaria Sodano

La chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore, in Corso Magenta a Milano, è uno scrigno della pittura milanese del Cinquecento. È stata edificata al centro di uno dei più antichi e prestigiosi monasteri della citta', affidato alla congregazione benedettina femminile. Le due aule della chiesa – quella della clausura e quella più piccola dei fedeli – sono fasciate da cappelle affrescate da pittori lombardi e in particolare da Bernardino Luini con la sua famiglia.  

Presi dalle splendide  pitture dell' aula pubblica, spesso non si ha  la forza di arrivare al fondo delle aule delle monache  dove sono presenti con ogni probabilità gli affreschi più originali  della Chiesa,  da considerarsi vera e propria icona del meraviglioso ciclo pittorico. La storia del patriarca biblico e del diluvio universale è qui raccontata in tre godibili e coloratissime immagini dipinte da Aurelio Luini nel 1556. Aurelio, meno famoso del padre ma ottimo pittore manierista nonché cultore delle caricature di Leonardo, raffigura qui un momento altamente  tragico della storia biblica così  rifacendosi ai testi  tratti dal libro della Genesi: la costruzione dell' arca , il diluvio e l' approdo sul monte Ararat oltre all' ebbrezza di Noè intervenuta a seguito della piantagione della vigna allorché il patriarca, persa ogni cognizione di sé, si era denudato davanti ai tre figli Cam, Sem e Jafet capostipiti del genere umano.

Forse non molti sanno che la Bibbia non fu l' unica a raccontare del diluvio.

 Nel 1872 lo studioso inglese George  Smith,  curatore del British museum, nel decifrare la scrittura cuneiforme dei popoli della  Mesopotamia ed in particolare il poema che descriveva l' Epopea del re Gilgamesh  trascritto su alcune tavolette esposte al museo, scopri' la leggenda di un novello Noe' babilonese, Utnapishtim, rimasto unico superstite insieme alla sua famiglia e a numerosa specie animale di una gigantesca alluvione databile intorno al 7.500 a.C. La storia religiosa  si allaccia a quella umana e diventa documento storico.

Amedeo Bocchi poliedrico pittore italiano

di Maria Rosaria Sodano 
Ho scoperto recentemente  con ammirato stupore l' opera di un artista dalla lunga vita Amedeo Bocchi (1883- 1976) . Dedito alla scultura e alla pittura fin da giovanissimo,   Bocchi ha attraversato con grande sapienza tutta l' arte del primo novecento prediligendo le raffinate ambientazione dell' art nouveau  e pervenendo alle esperienze multiformi  dei  Nabis o del' espressionismo tedesco, senza mai perdere la classicita' della pittura italiana. Il dipinto  in oggetto raffigura la  bellissima seconda moglie del pittore , Niccolina Toppi scomparsa giovanissima e sua modella prediletta.  La calda luce dell'estate accende i colori del giardino che fa da sfondo al  dolce ritratto,  ambientato  nel verde di Villa Strohl-Fern, residenza dell'artista dal 1905. Il volto, assorto sotto l'ampia falda del cappello, è il brano pittorico più accuratamente dettagliato e "messo a fuoco", nel contesto di una stesura sintetica. Qui c' e' tutta l' italianità del pittore e il risultato dei suoi annosi e profondi studi sulla figura umana,  stemperata di efficacia espressiva  al confronto  con l' ambiente circostante dotato di una forza emotiva sorprendente grazie alle forti cromie.  

Il dipinto, esposto per la prima volta alla XII Biennale di Venezia del 1920 e acquisito nel 1953, testimonia la ricerca indipendente di Bocchi che, dopo una fase di realismo sociale (1905-07) e dopo essersi dedicato a grandi imprese decorative di gusto modernista (ricostruzione della Sala d'Oro del Castello di Torrechiara, 1910-11; Sala del Consiglio della Cassa di Risparmio di Parma, 1915-1916), si sintonizza più decisamente con le ricerche d'oltralpe, pur guardando, nell'ambiente romano, a De Carolis e Sartorio, quindi al gruppo della Secessione e ai XXV della Campagna Romana.

 

i Gradoni di Chiaia nel primo novecento

di Maria Rosaria Sodano 

ATTILIO Pratelli nato a Lugo da Alessandro Pratelli e Giuseppa Verlicchi, nel 1876 cambiò il cognome in Pratella e si  iscrisse all'Accademia delle Belle Arti di Bologna. Ottenuta una borsa di studio, si trasferì a Napoli dove studiò al fianco di Puccinelli, Palizzi e Morelli. Qui esercitò la sua attività artistica fino alla morte. Anch'egli, come Casciaro e numerosi altri artisti attivi nella città campana, adottò anche la tecnica del pastello, prediligendo però quella ad olio. Riprese le tematiche della cosiddetta scuola di Posillipo (una scuola di pittori attivi a Napoli e dediti - come i loro colleghi francesi  della  scuola di Barbison - in gran parte alla raffigurazione del paesaggio). Pratella presenta tuttavia un  tratto di maggiore modernità e freschezza superando, rispetto ad altri pittori coevi, l'aspetto puramente pittoresco e realizzando opere di grande suggestione poetica. Oltre le apprezzate marine, ritrasse in formati di media-piccola misura, e spesso nelle sue ricercate tavolette, gli angoli di una Napoli in via di estinzione, i vicoli, i bassi, le viuzze, i mercati .

I Gradoni di Chiaia del 1910 ne e' un esempio tipico. Le scale - per chi non conosce Napoli - si aprono sull' elegantissima via Chiaia e costituiscono un famosissimo percorso pedonale, costruito nel XVI secolo,  che porta da via Chiaia ai Quartieri Spagnoli e infine al corso Vittorio Emanuele.Il primo tratto del percorso, partendo da via Chiaia, origina da una cupa in cui un tempo defluivano le acque da Pizzofalcone, tra Monte di Dio e Santa Lucia. Si tratta di una strada molto caratteristica, capace di offrire la fotografia più pittoresca della vita quotidiana negli affollati e caotici Quartieri Spagnoli. A renderla così suggestiva è soprattutto il contrasto che emerge tra gli edifici popolari dei Quartieri e i palazzi signorili della zona di Chiaia.

Il pittore nel dipinto in oggetto rende bene la vita quotidiana che si svolge sulle scale e non manca di offrire al lettore uno splendido e scenografico scorcio dell' effetto ascensionale  della scala.